深圳湾公共艺术季 · 无际之维——大学城展区正式开启
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当艺术走出美术馆白盒子，渗透进公园草坪、生长于海风吹拂的湾畔、偶遇在熙攘的街区转角，一座城市便拥有了呼吸。
第七届深圳湾公共艺术季于2025年12月底正式启幕。作为深圳最具影响力的城市公共文化品牌之一，本届艺术季在机制与格局上实现了创新——联动大学城、蛇口、太子湾三大展区。从西丽湖畔的理性思辨、蛇口改革原点的国际新流，再到太子湾的诗意栖居，20多位国内外著名艺术家的重要作品将在此集结。
本次艺术季展期将持续至2026年4月，一场城市艺术盛宴即将在南山的山海轴线上流动展开。
从拆墙开始，城市“无界”与大学何为
2025年11月底，深圳市规划和自然资源局南山管理局在其成立16周年之际拆掉了大院的围墙，机关庭院如今变成了市民可停歇的“城市客厅”，它以一种不动声色的方式，将“无界”变为现实中的街景。从机关围栏、公园护栏，到院校围墙，南山正在用一系列行动，重新定义“城市边界”的含义。
在该治理愿景下，第七届深圳湾公共艺术季将目光投向深圳大学城。艺术进入这里，不仅仅被期待装点空间，并且发出追问：当大学被不断要求“开放”时，它究竟应当以何种方式存在于城市之中？
图源：深圳大学城UTSZ，摄影：姚景译
从历史上看，大学与城市的关系，并非是静态的。
中世纪欧洲的“大学”是由师生构成的“法人共同体”，教学发生在教堂、修道院、民居与城市公共空间之中。关系先于校园存在。随着现代国家体系的建立，大学逐步转向以效率与秩序为导向的封闭型的“单位空间”，以围墙明确其治理边界与责任归属。这种形态在保障大学的学科分工与研究规范功能的同时，也逐渐使其在功能与空间上远离城市日常。
在当下高密度城市与知识经济的背景下，大学被要求重新被定位为一个面向城市的共享场所。在这一转变中，大学内部的资源体系逐渐显现出公共属性，知识的生产和使用也正在超越课堂与学术群体，期待被更广泛的时空界域与身份结构所共享。
无际之维：公共艺术进入大学
城市需要知识，大学也在回应社会期待。深圳大学城，本就是一片生长于“无界”理念之上的实验场。
从千禧年初的三校合办到如今的X9联盟，“校校无界”在跨校选课、资源共享乃至日常生活的深度融合，不断消融着校园间的藩篱；深圳市科技图书馆/深圳大学城图书馆、大学城体育中心以及大沙河生态长廊等公共空间的开放，将无界延伸至社区，逐渐实现着真正意义上的“城校无界”。
图源：深圳大学城UTSZ，摄影：宗建华
这些联结正在突破规划图纸，转化为更具现实触感的共享实践。在该现实语境下，第七届深圳湾公共艺术季大学城展区提出“无际之维”这一主题。它不仅是一场艺术展示，更是一次以公共艺术为柔性介质“打开大学围墙”的实践尝试。
所谓“无际”，并非追求物理边界的完全消失，而是强调对现代城市关系进行灵活调节的可能性。公共艺术凭借其包容与开放的特质，聚焦于资源使用、身份角色与制度结构等多元维度，主动介入大学城这一多元主体共同构建与治理的特殊社区空间。
三重维度，边界被改写的三种历史
在该空间逻辑的穿引下，关于“边际”的改写正从三层维度铺开：
空间之维：艺术作品被嵌入在大学城图书馆与大沙河生态长廊轴线交汇周边的“非典型”城市空间。它们既不完全属于校园教学研究核心区，也未被完全纳入高度公共化的城市基础场所。公共艺术的置入，将其转化为一道校园与城市日常之间具有“物理厚度”的弹性缓冲带，弥合两者之间的区隔，释放出“无际”蕴含的公共性潜能。
身份之维：艺术的介入营造出一种“身份未定性”的感知场域。在这里，市民、学生、研究者等社会角色标签被暂时淡化。在围绕艺术体验与互动中，这些身份得以短暂地切换、流动或重叠，使原本彼此平行的人群在同一空间中产生实际的相遇与共感。
制度之维：艺术项目搭建起临时性的使用场景，促使部分资源在明确规则下被重新划定并阶段性开放。这为不同管理主体之间的协作提供了实践机会，帮助它们在重新校准职责边界的过程中，积累可控、可调整的“无界实践”经验。
当这些跨越边界的艺术触发的微小调整，在既有结构上打开细小的缝隙时，知识便不再是被墙垣合围的孤岛，而是化作一种流动的文明底色。
本展区呈现的11组公共艺术作品，以深圳大学城西校区为核心，沿深圳市科技图书馆/深圳大学城图书馆的“知识纵轴”探寻公共边界，顺大沙河的“自然横轴”舒展学院气息。两条轴线纵横交织，勾勒出一条从“知识高地”通往“自然岸线”与“公共生活”的艺术生态路径。
萨纳兹•马齐纳尼 （Sanaz Mazinani） ，是一位居住在多伦多的伊朗裔加拿大艺术家、教育家和策展人，现任多伦多大学艺术工作室助理教授。她本科毕业于安大略艺术设计学院，并在斯坦福大学获得艺术创作硕士学位。马齐纳尼的创作横跨摄影、雕塑及大型多媒体装置等多个领域，她所创作的艺术作品旨在引导人们重新思考我们观看和体验知识的方式。
作品《思辨境面》
作品由一组三件式装置组成，一侧伏如地貌，另一侧为平整镜面，其轮廓呼应了深圳大学城周边塘朗山的峰峦起伏。两面材质在此交汇，承载着过去与未来的双重意象，以静默之势唤起人们的责任意识，呼吁每一个行为、每一个举措和每一个决定都怀持长远目光，并尊重人类和与我们共享这片土地上的所有生灵。
绘造社，是中国跨领域建筑艺术实践的标杆团队，2013 年于北京创立，团队核心成员均出身顶尖设计院校。他们受邀参与威尼斯双年展中国展、深港城市\建筑双城双年展等顶级展会，作品在苏州当代美术馆等著名机构落地。
《自鸣屋2号》
作品源于对建筑与日常器物“同源”的奇思妙想。自鸣钟，曾是跨文化交流的媒介，从计时仪器逐渐演变为融合美学的造物。艺术家将其结构与尺度拓展趋于一座建筑，完成了从“钟”到“屋”的类型转换。作品既是关于精密制造的视觉实验，也是对岭南民居在地经验的温情回望，记录着人类在对技术智慧与空间经验的探索中所体现的共通精神。
童文敏，中国当代行为艺术领域的核心青年代表，以 “身体为媒介” 的独特实践，重新定义了行为艺术与自然、社会的关联，成为业界备受瞩目的新锐力量。艺术家于2012年毕业于四川美术学院油画系，深耕行为、影像、装置等多媒介创作，聚焦外部环境与个体感知的交叉地带。
《风吹的形状》
艺术家第一次看到桉树叶子，利落、弯曲的叶子，觉得那是风的形状。作品延续了艺术家过往的创作实践，以行为艺术对风的流动进行诠释。从叶片的弧线里，触摸风温柔又坚韧的线条。她将这份自然之美铸为金属雕塑，安放在风中。材料之“重”与形态之“轻”，凝固成在风中延伸的线条。作品也由此消融了与现实世界的界限，形成一种物理空间上的无边际感。
刘然艺是深圳本土平面设计师与视觉艺术家。美国匹兹堡艺术学院视觉传达专业毕业后，她选择回国发展，将国际视野与本土文化相融合。她在艺术设计上对各种色彩与几何元素的组成表达感兴趣，擅长挖掘符号背后的多层含义，通过隐喻和符号来传达情感和思想，将日常视觉感受抽象化呈现。
《日常部件Ⅱ》
作品的灵感源于制衣间里线筒垂直堆叠的景象。艺术家剥离了具体的功能意象，转向使用极简的几何结构语言，将这些日常符号进行抽象化重塑。它们像是不具名的图腾，静默地伫立，却不给出明确的定义。
通过将圆形符号在空间中不断复制、旋转与延伸，艺术家仿佛编织出了一个交错的“多维宇宙”。这些几何形态宛如维度的切片、边界的截面，以纯粹的秩序感打破了我们对空间完整连续性的认知，引导观者在行走与凝视间感知维度的多元性，呼应对展览“无际”的哲思追问。
江安，是深圳当代艺术生态的核心青年力量，深刻影响着华南地区青年艺术的发展方向。他毕业于湖北美术学院雕塑系，现扎根深圳，擅长将日常物品转化为艺术语言，通过设计、改造与空间呈现。他发起 “艺术海湾计划”，创办艺术机构 Outta_，以策展人和推动者的身份，为青年创作者搭建交流平台，打破艺术与大众的隔阂，真正践行“艺术需要与公众建立连接”的理念。
《日常部件Ⅱ》
作品以1：1的比例复刻了艺术家居住空间的框架，将大门、客厅、楼梯等生活分区移植于大沙河生态长廊与大学城交汇的公共空间中。当私密的家居载体化身为公共艺术，这些框架如同空间坐标，将树林、河流与云天悉数纳入这座“开放之家”的叙述中。
作品邀请观众在简约的家居轮廓与自然天地的交融里，重新想象“小家”与“大家”的和谐共生，感受诗意栖居的本真。
沈也，是中国当代观念艺术领域的重要实践者，更是推动传统大漆艺术当代转换的核心代表，在业界极具影响力。他 1988 年毕业于南京艺术学院，长期任教于华东师范大学等知名院校，兼具创作与教育双重影响力。创作中深耕大漆这一东方传统媒材，打破其 “工艺属性” 的桎梏，通过挪用、重组等艺术手法，将哲学思考与社会观察融入创作，让作品兼具视觉张力与思想深度。
《凝视的弧度》
作品将眼镜架与网球拍并置，构成一组关于现代生活双重向度的精巧隐喻。眼镜指向理性的、向内凝视的智识探索，网球拍则象征体魄、向外挥洒的身体动能。作品意在探讨代表人类自我完善的两条基本路径的追逐。
在大学城这一知识生产与身体锻炼高度密集的场域中，作品提示观者反思：我们能否找回智识探索的纯粹乐趣与身体运动的本质欢愉。
王鲁炎，是中国当代艺术界观念艺术的标杆性人物，被誉为 “艺术家中的哲学家”，以理性批判精神深刻影响中国当代艺术的发展脉络。他通过严谨精确的视觉语言，解构日常生活与社会规范中的固有认知，构建出独特的 “思想的视觉” 表达。
《面对的背对者》
作品坐落于校园与城市的过渡地带，以“四人共享两脑”的悖论式结构，将当代交流的处境置于一个清晰的现场。该雕塑装置消解了孤立个体的幻象，揭示“面对”与“背对”是同一认知根源的一体两面——理解中暗藏错位，沉默里可能孕育连接。
二者互为延续、不可分割，恰如校城间多元人群的相遇——可交流与不可交流本就是人类关系不可剥离的常态。在数字时代，技术营造了“超面对”的沟通幻觉，但真正的理解往往被淹没在信息洪流之中。作品启发我们在当下城市的共生状态中，重新开拓共享理解的新路径。
胡庆雁，毕业于广州美术学院和中央美术学院雕塑系，工作、生活在北京。作为观念雕塑艺术家，胡庆雁的作品和形态或直率，或诙谐，形成了独特而出人意料的艺术语言，启发观者对日常之物的反思。他的作品被包括维多利亚国家美术馆、M+ 视觉文化博物馆、广东美术馆、卢贝尔美术馆、今日美术馆、K11艺术基金会和公共机构等收藏。
《左耳进右耳出》
该雕塑作品由不同规格碳钢弯头精准焊接而成，随机拼接成看似抽象凌乱的管道网络，实为生活通道系统与社会运转脉络的微观切片，将隐匿于日常的封闭空间与潜在联结直观呈现。
管道敞开的喇叭口打通雕塑内外空间，与展览主题“无际之维”中的空间维度相呼应，也隐喻着校园与城市的物理边界的打破。它邀请在此驻足的师生与市民，于交错管道间窥见空间的多元可能，感受个体与群体、封闭与开放的相互关系。
邵安南，是一位新媒体艺术家。其作品结合新媒体影像、综合材料装置等媒介，探索个体的动机演化。通过虚拟生态与混合媒介场域叙事的创造，以寓言式的假想时空事件映射现实。作品展出于油罐艺术中心、北京树美术馆、广东当代艺术中心、伦敦 Zabludowicz Collection 等。她目前作为艺术家与设计师活动于国内外平台。
《床人 1》
作品源于艺术家对身心安放的深切关注。她在床上构建了一方由自我绝对主导的“安全地带”，并将其转化为艺术的表达。作品以几何化的人体，用四肢圈定出一个纯粹、可控的空间，暗示着个体在复杂世界中守护内心秩序与安宁的本能渴望。
这一艺术表达与大学校园使命形成深层共鸣。校园如被悉心规划的成长场域，为年轻人提供安放自我、探索可能性的精神庇护所，使作品中关于“安全地带”的讨论获得了具体的现实指向。
凤梨三明治本名谢桢，现居住在深圳。他本科就读于广州美术学院，后凭借NFT创作在新兴市场迅速走红，擅长通过编程创作影像动画与互动装置，作品融入个人真实感受。
《跳舞的房子》
作品由三座摇曳舞动的小房子构成，仿佛从蜡笔画中走出，带着跳跃的节奏与不稳定的平衡感。红、黄、蓝三原色以最直接、纯粹的方式出现，唤起人们关于童年、游戏与想象力的记忆。
装置坐落于深圳大学城这个学术气息浓厚的地方，作品以“纯真”对话“理性”。在这里，房子不再只是固定的居所，而是一种自由舞动的思维状态。扭动的房屋线条像是通往多维空间的入口，促使观者重新思考城市、知识与未来如何在“无际之维”中自由生成。
姚明峰，是一位概念视觉艺术家，硕士毕业于费城艺术大学Studio Art专业，本科毕业于天津美术学院雕塑系。他的作品源于对日常现象的一系列持续调查研究，试图通过微妙的干预将日常生活元素抽象化，视觉化，并将体验感知转化为一种集体的视觉经验。
《构造#1》
作品以废弃基建材料为载体，通过对材质及其来源的重塑，勾勒海岸线的变迁形态与生长痕迹。作品将基建记忆与海岸肌理凝于一体，使观者得以在材料的并置与对话中，看见城市发展与生态守护的共生关系，并从中感知海岸线所承载的、独属于这座城市的生长脉络。
第七届深圳湾公共艺术季·无际之维——大学城展区
展期：2026.01.24-2026.04.19
策展人：杨勇、朱荣远
执行策展人：张巧依
策展团队：上启艺术、中国城市规划设计研究院深圳分院
南山区宣传文化体育事业发展专项资金资助
审核：罗莉兰
编辑：吕小妮
